Mode : Le style « boho » propulsé sur la scène régionale grâce à la marque saoudienne Rebirth

Tala Abukhaled, née à Riyad, est la fondatrice, créatrice et directrice artistique de la marque de prêt-à-porter bohème de luxe Rebirth. (Photo fournie)
Tala Abukhaled, née à Riyad, est la fondatrice, créatrice et directrice artistique de la marque de prêt-à-porter bohème de luxe Rebirth. (Photo fournie)
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Publié le Vendredi 23 août 2024

Mode : Le style « boho » propulsé sur la scène régionale grâce à la marque saoudienne Rebirth

  • Le style boho favorise généralement une approche libre de la créativité, empruntant à d'autres formes d'art sans pour autant s'en tenir à des doctrines rigides en matière de design
  • « Nous voulons raconter des histoires à travers nos pièces », dit la fondatrice de Rebirth

RIYAD : Tala Abukhaled, née à Riyad, est la fondatrice, créatrice et directrice artistique de la marque de prêt-à-porter bohème de luxe Rebirth. Créée en 2021, cette marque de slow-fashion durable pour hommes et femmes a pour but de célébrer le patrimoine artistique saoudien et de le faire revivre grâce à des pièces uniques et modernes, reflétant la transformation culturelle actuelle du Royaume.

La marque Rebirth, explique Abukhaled à Arab News, « a trait à la liberté, au lien avec la Terre et s’inspire de la nature ». Tout revient à ce sentiment de bohème, à l'utilisation de matériaux naturels dans les créations.

« Pour moi, ce que vous portez reflète la personne que vous êtes », poursuit-elle. « Vous pouvez être qui vous voulez. Cela peut vous donner confiance en vous et même changer votre façon d'agir, c'est donc très important. »

La mode est une passion de longue date pour Abukhaled. « Depuis que je suis petite, je sais que je veux m’orienter vers le domaine de la création et des arts, mais je n'ai pris ma décision que lorsque j’ai voulu choisir une université. En grandissant, je m'intéressais vraiment à ce que je portais et à ma garde-robe, ce qui m'a incitée à suivre des études de stylisme et de modélisme (à l'institut de mode français Esmod).»

Le style bohème – ou boho – qu'Abukhaled affectionne est depuis longtemps associé aux anticonformistes pionniers et a eu un impact majeur sur les styles artistiques au fil des siècles. Il favorise généralement une approche libre de la créativité, empruntant à d'autres formes d'art sans pour autant s'en tenir à des doctrines rigides en matière de design. Les palettes de couleurs naturelles, les imprimés ethniques et le confort sont des caractéristiques importantes de la mode bohème.

Les réseaux sociaux ont contribué à rendre le style bohème encore plus populaire, mais le Royaume n'a pas encore produit de marque qui s'identifie aussi clairement à ce style. Après avoir travaillé dans la direction artistique de sa marque, c'est cette lacune du marché qu'Abukhaled a identifiée.  

Si je veux acheter du « bohème de luxe », c'est très difficile à trouver et ce n'est pas disponible partout, explique-t-elle. « C'est sur cette idée que je me suis appuyée. »  
Cependant, il ne s'agissait pas seulement d'une décision motivée par une étude de marché, souligne Abukhaled. « Je suis en quelque sorte le reflet de ma marque et de son esprit », dit-elle. « Beaucoup de gens supposent que je viens de Djeddah, parce que c'est plus proche de la plage et de l'esprit libre, alors que ce n'est pas le cas. »

Sa dernière collection s'inspire des palmiers saoudiens. Elle comprend des vêtements inspirés des stations balnéaires, notamment des sweats à capuche en résille qui font écho au commerce historique de la pêche côtière, ainsi que des accessoires pour le cou qui réutilisent des feuilles de palmier séchées. Le bohème est à l'honneur dans le mélange éclectique de matériaux traditionnels (graines de lin, raphia, perles de bois de palmier) et de motifs modernes.

« J'ai également créé d'autres collections, comme ma ligne qui incorpore la broderie bisht dans les motifs d'une manière qui n'avait jamais été présentée auparavant », ajoute Abukhaled. «J'ai également utilisé le shemagh dans de nouvelles couleurs et de nouvelles manières. »

Sa collection bisht présente les broderies en question sur une veste de bombardier, un pantalon palazzo et un tour de cou asymétrique, ainsi qu'une nouvelle conception du tissu traditionnel shalki pour en faire un corset, qu'elle a appelé « A Modern Heirloom » (un héritage moderne).

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

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« J'espère que Rebirth préservera une partie de l'art et de la culture », dit-elle. « Nous voulons aussi raconter des histoires à travers nos pièces. Chacune d'entre elles a une histoire à raconter. »

Et ces histoires ne sont pas uniquement centrées sur le Royaume. En octobre, Rebirth a produit une ligne en l'honneur de la Palestine. Une publication Instagram présentant l'une des pièces était accompagné de la légende suivante : « Chaque point représente un fil d'espoir, la broderie palestinienne sera à jamais gravée sur notre peau et nous avons représenté ce sentiment en créant une pièce à partir d'un délicat tulle blanc finement cousu selon la méthode de broderie palestinienne. Les manchettes, qui enserrent solidement vos poignets, symbolisent l'unité en laçant le cordon à travers chaque boucle de tissu transparent, pour mettre en lumière la diversité de la communauté que nous sommes désormais devenus. »

Abukhaled accorde une grande importance à la durabilité de sa marque. Aucune de ses pièces n'est produite en masse, mais elle défend le modèle de production circulaire, ce qui signifie que chaque pièce de tissu est pleinement mise à profit.

« Honnêtement, le nombre de tissus restants, de stocks morts et même de vêtements cousus qui sont jetés à la poubelle chaque année est considérable », dit-elle. « J'en ai pris conscience lorsque j'ai commencé à produire de manière éthique. Me rendre dans les centres commerciaux et voir des piles interminables d’un même produit est devenu particulièrement pesant », précise-t-elle.  

Selon la Bibliothèque nationale de médecine des États-Unis, l'industrie mondiale de la mode produit 92 millions de tonnes de déchets par an. Et ce chiffre devrait passer à 134 millions d'ici à la fin de l'année 2030.

« J'ai donc ressenti le besoin d'insister sur ce point », déclare Abukhaled. « J'apprécie le fait que le développement durable soit un aspect en pleine expansion dans le monde entier et également en Arabie saoudite. C'est le segment de la mode qui connaît la croissance la plus rapide. »

Toutefois, la créatrice note que l'approvisionnement en matériaux durables implique des dépenses plus importantes, ce qui l'a obligée à rechercher des tissus en Turquie, en Inde et dans d'autres pays.

« Quand je repense à mes débuts, j’ai reçu pas mal de claques en raison des erreurs que j'ai commises », dit-elle. « Mais c'est la seule façon d'apprendre lorsqu'on lance son entreprise. »

« N'ayez pas peur de demander l'aide du gouvernement », ajoute-t-elle, citant l'Autorité générale pour les petites et moyennes entreprises (Monsha'at) et d'autres programmes, notamment l'initiative Saudi 100 Brands de la Commission de la mode, comme des ressources utiles.  

« Ils nous offrent tellement de soutien. Il suffit de savoir où aller. Ils sont là et prêts à vous aider », a-t-elle déclaré.

Ce soutien aide déjà Abukhaled à établir Rebirth sur la scène internationale. Elle a récemment signé un accord avec le concept store new-yorkais DOORS NYC, qui portera le nom de la marque dans l'une des plus grandes capitales mondiales de la mode.  

Abukhaled a également promis de faire bientôt part d’un « projet passionnant » et suggère aux amateurs de boho de « rester à l'affût ».

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com


L'artiste saoudien Ahaad Alamoudi présente « The Social Health Club » à Bâle

L'artiste saoudien Ahaad Alamoudi présente « The Social Health Club » à Bâle. (Photo Fournie)
L'artiste saoudien Ahaad Alamoudi présente « The Social Health Club » à Bâle. (Photo Fournie)
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  • Fraîchement conçue, cette installation baignée de jaune, ancrée dans les œuvres passées de l'artiste, offre une expérience sensorielle riche et complexe ainsi qu'un commentaire culturel incisif.
  • « The Social Health Club » s'articule autour d'objets trouvés au marché Haraj de Djeddah en 2018.

RIYAD : Ce mois-ci, l'artiste saoudienne Ahaad Alamoudi fait monter la température au Basel Social Club qui se tient jusqu'au 21 juin dans la ville suisse avec sa dernière installation, « The Social Health Club ». 

Fraîchement conçue, cette installation baignée de jaune, ancrée dans les œuvres passées de l'artiste, offre une expérience sensorielle riche et complexe ainsi qu'un commentaire culturel incisif. Elle marque également une première pour l'artiste avec un élément de performance en direct.

Basée à Djeddah, Alamoudi est connue pour créer des installations multimédias immersives s'inspirant de la dynamique complexe de son pays natal en pleine évolution. « The Social Health Club » s'articule autour d'objets trouvés au marché Haraj de Djeddah en 2018, notamment divers équipements de sport, dont un rameur.

« Ce sont des pièces que j'ai chinées dans des brocantes. J'aime le fait qu'aucune instruction n'accompagne ces machines : je ne connais ni leur nom, ni leur provenance, ni leur fabricant. Mais elles font désormais partie du paysage urbain dans lequel j'évolue. J'ai essayé de créer un espace ludique », a-t-elle déclaré à Arab News. 

Dans « The Social Health Club », les équipements, peints principalement dans un jaune vif et saturé, restent intacts, symbolisant une culture obsédée par l'auto-optimisation. Au cœur de l'installation se trouve un caméo représentant un fer à repasser peint en jaune, déjà présent dans son œuvre vidéo de 2020 intitulée « Makwah Man » (Makwah signifie « fer à repasser » en arabe).

« Beaucoup de mes œuvres sont issues d'un récit que je crée dans une vidéo. Dans « Makwah Man », cet homme vêtu d'une thobe jaune repasse un long morceau de tissu jaune au milieu du désert. Et pendant qu'il repasse, il nous dit comment vivre notre vie. Mais en nous disant comment vivre notre vie, il commence aussi à remettre en question la sienne, à comprendre le rôle du pouvoir, à prendre conscience de la pression du changement et de l'adaptation », explique Alamoudi. 

« Le jaune est présent dans la vidéo, mais l'artiste porte également une thobe jaune. Il y a aussi, dans cette version présentée à Art Basel, un portant de thobes jaunes qui tournent dans l'exposition. Pour moi, la thobe jaune est un symbole unificateur. J'essaie de dire que nous vivons tous cela différemment. Ainsi, dans la performance (pour « The Social Health Club »), un culturiste local vêtu d'une thobe jaune fera des exercices sur ces machines. Il n'a pas de règles à suivre. Il ne connaît rien, ne sait pas comment utiliser « correctement » l'équipement. Il entrera dans l'espace et utilisera les machines comme il le pourra.

« La performance sera enregistrée. Mais je pense que c'est plutôt une activation », a-t-elle poursuivi. « Ce n'est pas l'œuvre elle-même. L'œuvre existe sous la forme des machines. 

« Le Social Health Club » a été créé en étroite collaboration avec la conservatrice Amal Khalaf. Ensemble, ils se sont rendus à Djeddah où Alamoudi a pu découvrir avec elle des « machines un peu inhabituelles, différentes des machines classiques que l'on trouve dans les salles de sport et dont tout le monde connaît immédiatement l'utilité », explique Alamoudi.

« Elle est vraiment incroyable », a-t-elle poursuivi. « Nous avons vraiment construit cet espace ensemble. En gros, j'ai principalement créé la vidéo ; tout le reste a été construit à partir de là. Elle m'a beaucoup aidée. Elle s'est vraiment intéressée aux changements sociaux et à la manière dont nous les abordons. Notre collaboration a été parfaite. »

Le jaune domine chaque centimètre carré de l'œuvre, de manière délibérée et intense. 

« Je suis obsédé par les symboles dans certaines de mes œuvres. Et cela s'accompagne également d'une couleur », explique Alamoudi. « Je voulais mettre en valeur quelque chose de luxueux, de coloré, presque comme de l'or, mais qui n'est pas de l'or. Son apparence est assez austère. » 

Le jaune est à la fois une invitation et un avertissement. « Je pense que le jaune est également assez trompeur. J'aime cette couleur qui incite les gens à s'approcher pour voir ce qui se passe, mais qui les amène en même temps à se demander ce que c'est  elle est si agressive qu'elle en devient un peu inconfortable. »

L'interaction du spectateur est essentielle à la signification de l'œuvre. 

« Je pense que les machines représentent quelque chose et qu'elles véhiculent quelque chose, mais elles sont en réalité activées par les gens, par ce que les gens font avec elles », explique Alamoudi. « C'est pourquoi j'encourage beaucoup de spectateurs à interagir avec les œuvres, à les utiliser ou à essayer de les utiliser sans aucune instruction. Beaucoup de personnes qui entrent dans l'espace peuvent avoir peur de les toucher ou d'interagir avec elles. La présence de l'artiste qui active les structures ajoute une autre dimension à l'œuvre elle-même. »

Elle espère que les visiteurs se sentiront libres d'explorer les œuvres, sans être encombrés par des attentes.

« Les gens sont censés les utiliser à leur guise. Ils peuvent s'asseoir dessus, se tenir debout dessus, les toucher — ils peuvent aussi les laisser tranquilles », conclut-elle en riant. 

Ce texte est la traduction d'un article paru sur Arabnews.com  


La "Tour des arts" redonne du sens et de la couleur au Boulevard des Sports de Riyad

La Arts Tower, à l'intersection de Prince Mohammed bin Salman bin Abdulaziz Road et Prince Turki bin Abdulaziz Al Awwal Road, déborde de couleurs et de caractère. (Photo Fournie)
La Arts Tower, à l'intersection de Prince Mohammed bin Salman bin Abdulaziz Road et Prince Turki bin Abdulaziz Al Awwal Road, déborde de couleurs et de caractère. (Photo Fournie)
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  • Les pièces utilisées sont toutes liées au grand récit du Royaume, y compris la diversité économique, les transformations culturelles et les changements sociaux.
  • Pour M. Gharem, la Vision 2030 de l'Arabie saoudite, tout comme "The Arts Tower", lève constamment les yeux vers le haut, motivant les gens à sauter du familier à l'inattendu, les poussant à embrasser l'avenir avec imagination.

RIYADH : Lorsque vous vous aventurez sur la promenade de la dernière attraction de la capitale, le Sports Boulevard, un nouveau point de repère ne manque pas d'attirer votre attention.

Une tour située à l'intersection de la route Prince Mohammed bin Salman bin Abdulaziz et de la route Prince Turki bin Abdulaziz Al-Awwal est pleine de couleurs et de caractère.  

L'auteur de cette œuvre, baptisée "The Arts Tower", est l'artiste saoudien de renom Abdulnasser Gharem, qui, dès le début de sa carrière, a mis l'accent sur le quotidien dans le paysage architectural avec des œuvres telles que "Siraat" (Le chemin) et "Road to Makkah" (La route de La Mecque). 

La Arts Tower, à l'intersection de Prince Mohammed bin Salman bin Abdulaziz Road et Prince Turki bin Abdulaziz Al Awwal Road, déborde de couleurs et de caractère. (Photo Fournie)
La Arts Tower, à l'intersection de Prince Mohammed bin Salman bin Abdulaziz Road et Prince Turki bin Abdulaziz Al Awwal Road, déborde de couleurs et de caractère. (Photo Fournie)

Gharem a déclaré à Arab News : "Cette œuvre est le témoin de la transformation qui s'opère ici. C'est un symbole d'investissement dans l'infrastructure culturelle qui prouve l'importance de cette dernière pour toute société ou communauté. Je pense que la tour représente cette transformation, en particulier parce qu'elle transforme l'un des symboles de l'énergie en un phare pour l'expression créative".

Anciennement l'un des nombreux pylônes électriques de 83,5 mètres, la tour devait être supprimée dans le cadre du projet du boulevard des sports.

"J'ai demandé si je pouvais en avoir une", a déclaré M. Gharem, expliquant qu'en tant qu'un des artistes nominés pour proposer une œuvre destinée à embellir le boulevard, il tenait à utiliser la structure existante.  

Points marquants

La proposition retenue comporte un total de 691 panneaux colorés qui ont été installés pour donner vie à la façade animée de la tour.

Les pièces utilisées sont toutes liées au grand récit du Royaume, notamment la diversité économique, les transformations culturelles et les changements sociaux.

L'auteur et conservateur Nato Thompson a déclaré à propos de l'œuvre dans un communiqué : "En réaffectant un symbole de l'infrastructure énergétique et en le transformant en phare de l'expression artistique, Gharem met en lumière l'évolution du rôle de la culture et de l'art dans le parcours de développement de l'Arabie saoudite.

"Elle est la preuve vivante de l'engagement du Royaume à entretenir son paysage culturel, en faisant des arts et de la créativité un élément indissociable de son identité, tout comme le pétrole et l'énergie l'ont été dans le passé".

La proposition sélectionnée comprend un total de 691 panneaux colorés qui ont été installés pour donner vie à la façade vibrante de la tour.

Abdulnasser Gharem, artiste saoudien (Photo Fournie)
Abdulnasser Gharem, artiste saoudien (Photo Fournie)

Il utilise des éléments de l'architecture saoudienne et des motifs que nous reconnaissons dans nos anciennes maisons, principalement la forme triangulaire.  

"J'ai eu la chance que la tour soit composée de triangles, une forme géométrique qui rassemble les différentes régions du Royaume et les caractéristiques historiques de nos débuts, ce qui en fait un symbole d'unité", explique M. Gharem.  

Les pièces utilisées sont toutes liées au grand récit du Royaume, y compris la diversité économique, les transformations culturelles et les changements sociaux.

Cette pièce est un témoin de la transformation qui se produit ici. C'est un symbole d'investissement dans l'infrastructure culturelle, preuve de l'importance de cette dernière pour toute société ou communauté. Abdulnasser Gharem, artiste saoudien.

"Les couleurs font allusion au lien entre notre histoire et notre patrimoine et les concepts de gaieté et d'hospitalité mentale. Une tour vous oblige toujours à lever les yeux".

Pour M. Gharem, la Vision 2030 de l'Arabie saoudite, tout comme "The Arts Tower", lève constamment les yeux vers le haut, motivant les gens à sauter du familier à l'inattendu, les poussant à embrasser l'avenir avec imagination.

"L'œuvre est basée sur la lumière du soleil", a-t-il déclaré. "La lumière du jour donne une dimension complètement différente à l'œuvre par rapport à son éclairage urbain pendant la nuit. 

L'esquisse de "The Arts Tower" d'Abdulnasser Gharem. (Photo Fournie)
L'esquisse de "The Arts Tower" d'Abdulnasser Gharem. (Photo Fournie)

"Les couleurs ne se contentent pas d'apparaître ; elles changent, se transforment et s'animent de différentes manières tout au long de la journée. Ici, la nature devient un élément crucial de la structure".

Même le vent a joué un rôle dans la détermination du nombre et de l'emplacement des pièces colorées utilisées. "Il m'a appris qu'il fallait des espaces pour permettre à l'œuvre de respirer et m'a forcé à m'humilier devant le pouvoir de la nature.

"Le vent est devenu mon partenaire dans la conception", a-t-il déclaré.

La "Tour des arts" est conçue pour que les gens se sentent représentés et connectés.

Alors que le boulevard des sports encourage l'activité physique, ce point de repère créatif a un objectif plus profond : c'est un espace de réflexion destiné à inspirer l'interaction humaine et la communauté - et plus important encore, à inviter les gens à ralentir, à s'engager et à réfléchir à l'avenir.

"La culture est l'un des facteurs clés du développement de notre pays. En fin de compte, la culture est aussi importante que l'énergie. Cela vaut la peine d'investir dans ce domaine, et c'est un certificat attestant que le Royaume s'est engagé à nourrir sa scène culturelle", a déclaré M. Gharem. 

Ce texte est la traduction d'un article paru sur Arabnews.com 


Quand Pompidou "copie" le Louvre: 100 artistes exposent à Metz

Centre Pompidou (Photo AFP)
Centre Pompidou (Photo AFP)
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  • À partir de samedi, des « copistes » exposent au Centre Pompidou-Metz leur réinterprétation de classiques de l'art qu'ils « réactivent ».
  • Toutes ces œuvres, produites à partir d'autres œuvres, ont été créées spécialement pour cette exposition.

METZ, FRANCE : Faire revivre des œuvres du Louvre à travers le regard de 100 artistes : à partir de samedi, des « copistes » exposent au Centre Pompidou-Metz leur réinterprétation de classiques de l'art qu'ils « réactivent ».

Les commissaires de l'exposition, Donatien Grau, conseiller pour les programmes contemporains du musée du Louvre, et Chiara Parisi, directrice du Centre Pompidou-Metz, ont voulu en faire « une radioscopie de l'art contemporain et une exposition pour les amoureux de l'histoire de l'art ».

L'exposition est le résultat d'une « invitation envoyée à 100 artistes, non copistes a priori, à réactiver des œuvres du patrimoine », résume Donatien Grau.

Ici, une sculpture romaine recouverte de ballons métalliques colorés attire l'œil du visiteur : il s'agit d'une copie réalisée par l'artiste américain Jeff Koons de L'Hermaphrodite endormi, une sculpture antique dont on ignore l'auteur.

Un peu plus loin, plusieurs artistes ont fait le choix de créer leur interprétation de La Liberté guidant le peuple (1830) d'Eugène Delacroix : c'est le cas de Bertrand Lavier avec Aux armes citoyens (2025), dans lequel il se concentre sur les armes et le drapeau peints dans la version originale.

« La Vierge et l'Enfant au chancelier Rolin » (XVe siècle), peint par Jan Van Eyck, a aussi été en partie copié par l'Irano-Américain Y.Z. L'artiste Kami, quant à lui, a décidé de s'emparer d'un petit détail de l'œuvre originale, les mains, qu'il a reproduit comme un symbole. 

On peut aussi découvrir « la Joconde » copiée par le collectif Claire Fontaine, qui a camouflé son visage d'une tache noire, lui ôtant son sourire énigmatique.

Toutes ces œuvres, produites à partir d'autres œuvres, ont été créées spécialement pour cette exposition.

Giulia Andreani a réalisé trois portraits de femmes, a aimé « se heurter à des œuvres du Louvre », « détourner la technique » et « exploser le format ».

Chiara Parisi note que certaines copies sont réalisées presque à l'identique : « On est un peu déstabilisés » dans un premier temps en les regardant, puis « après on reconnaît la patte de l'artiste ».

D'autres, au contraire, ont détourné les originaux pour en faire des créations où « les œuvres ne sont pas là pour être reconnues », précise-t-elle. 

L'artiste Neila Czermak Ichti a détourné le tableau Roger délivrant Angélique (1819) de Jean-Auguste-Dominique Ingres. Dans sa version, « tout le monde a un peu changé de place. Le défi consistait à ce que le monstre n'ait pas la même place sans pour autant devenir une victime comme Angélique dans la version originale.

Donatien Grau a également mis en garde : « Le sujet de l'exposition n'est pas la copie, mais la pluralité des copistes. » « Copier, aujourd'hui, ce n'est pas se mettre face au tableau et le dupliquer. C'est mille autres choses » illustrées dans l'exposition.

Cela met aussi en valeur le patrimoine, qui « n'existe que quand on le recrée, qu'on le fait vivre, quand on l'habite », selon Donatien Grau.

Les œuvres originales n'ont pas été transportées à Metz : le visiteur peut les retrouver reproduites dans le catalogue d'exposition (25 euros) qui, selon Mme Parisi, « prolonge la visite ».

L'exposition « Copistes. En collaboration exceptionnelle avec le musée du Louvre » est visible jusqu'au 2 février 2026.