DUBAÏ: Un lit avec des draps froissés placé au centre d’une pièce, une femme en robe à carreaux qui a le dos tourné… L’audacieuse exposition d’art intitulée As We Gaze Upon Her, qui se tient jusqu’au 31 janvier à l’espace culturel Warehouse 421, à Abu Dhabi, et dont le commissaire est le collectif Banat Collective, ne tente pas de définir la féminité, mais pose de nombreuses questions à travers un délicieux mélange d’œuvres conçues pour susciter une réponse émotionnelle. Il s’agit d’une représentation colorée et puissante de la féminité dans le monde arabe.

Banat Collective réunit Sara ben Safwan, conservatrice au Guggenheim Abu Dhabi, et Sarah Alagroubi, artiste, graphiste et professeure d’art. Pendant la pandémie, le duo a rassemblé les œuvres de 27 artistes masculins et féminins, avec pour objectif de défier de manière créative l’hétéronormativité, de confronter le patriarcat et de décrire des parcours personnels.

L’exposition s’articule autour de cinq thèmes principaux: «Subverting the Gaze» se focalise sur le regard masculin, «Masquerade» aborde le genre et l’hétéronormativité, «Vindication of the Body» tourne autour du corps féminin, «Difference as Incompleteness» explore les rôles culturels traditionnels et «Dysfunctionality» le féminisme.

«Banat Collective a été fondé en 2016, son but était de créer une plate-forme numérique simple afin d’interviewer des artistes et leur donner la possibilité de présenter leur travail», explique Mme Safwan à Arab News. «Cette plate-forme s’est transformée en exposition aux multiples facettes. Nous voulions explorer la féminité dans le contexte de cette région, car le récit a toujours été écrit pour nous et sur nous, plutôt que par nous. Nous avons relevé le défi de regrouper tous ces artistes pour revendiquer nos histoires et nos identités», ajoute-t-elle.

Tous les coups sont permis dans cette exposition progressiste. La peinture acrylique d’Amina Yahya, Te’rafy, montre des corps portant des vêtements «pudiques» et «impudiques», une différenciation souvent utilisée pour justifier les crimes sexuels dans son pays natal, l’Égypte. Le court-métrage 3aroosa («Mariée»), de Mashael Alsaie, dépeint les «rituels performatifs de la nuit de noces à travers les mouvements mécaniques de machines à huile». Le film utilise des images d’archives réelles de 1968 représentant une usine pétrochimique de Bahreïn.

«Nous voulions introduire des concepts déjà abordés en privé et les exposer en public», explique Mme Alagroubi. «Les œuvres d’art mettent en valeur les luttes existantes des femmes aujourd’hui.»

Une gamme d’émotions se dégage de ces diverses œuvres. Une rage pure se manifeste dans l’installation Dinner is Served de Rania Jishi, où son mépris pour la domesticité prend vie sous la forme d’assiettes fêlées sur lesquelles sont écrits des mots comme «colère». Les ustensiles et la nourriture sont absents de la table traditionnelle. De même, la série de photographies en noir et blanc de l’artiste saoudienne Jude al-Keraishan, intitulée Sanad, montre un siège en bois en train d’être détruit par une hache.

D’autre œuvres sont plus amusantes, mais poussent tout autant à la réflexion. Precautions, de Maitha Hamdan met en lumière un acte simple, celui de manger de la glace, dans une vidéo en une seule prise où l’artiste dévore un cornet de glace derrière un voile, d’une manière délibérément non érotique. La glace agit comme un «moyen de remettre en scène les normes fondées sur le genre, reprises, renforcées et transformées en une performance radicale, satirique et picturale».

Shamiran Istifan utilise la cire au sucre dans son œuvre, créant une expérience viscérale lorsque la cire fond, coule et produit un écho, dans le but de «déconstruire l’embellissement et l’objectification de la femme exotique». Dans Œuvre sans titre (Abri, Drapeau), Saba Askari transforme en sculpture les lingettes démaquillantes usagées qu’elle utilise au quotidien. Celles-ci deviennent à la fois le sujet et l’objet de son travail, permettant à la texture de prendre le pas sur l’esthétique. Cette œuvre souligne l’acte fastidieux de la création et de l’effacement quotidiens.

En utilisant ses photographies analogiques à expositions multiples, Aude Nasr s’approprie des vêtements masculins traditionnels, tels que le tarbouche, et confronte les codes et les constructions de genre qui divisent. Les tons doux et les contrastes profonds de son travail ont une qualité spectrale, reliant les fantômes de la tradition passée à un avenir progressiste.

L’exposition de Banat Collective doit être saluée pour son incursion dans les constructions de genre, un sujet qui n’est généralement pas abordé ouvertement dans la région. Au premier plan de l’exposition se trouve l’autoportrait d’Augustine Paredes, vue de dos, allongée en position fœtale sur des draps froissés placés sur un lit noir à armature métallique.

«Avec des œuvres comme ce lit, nous avons trouvé beaucoup de nouvelles significations liées aux rôles de genre et même à la diaspora, puisque l’artiste est originaire des Philippines», explique Mme Alagroubi. «Comme c’est le cas avec les photographies d’Aude Nasr et leur nature expansive, nous voulions faire en sorte de réserver un espace pour des œuvres comme celles-ci. Ce sont des conversations importantes à avoir», conclut-elle.

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com